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KURT VILE: TROVADOR NEOPSICODÉLICO





version publicada en O2, El Observador, 28 junio, 2011

 

Presentando a KURT VILE  por eduardo paz carlson

version sin editar.

Quien haya recibido el twitt del 1ero marzo pasado enviado por los Fleet Foxes: “Baby’s Arms by Kurt Vile is fucking awesome…” seguramente se habrá preguntado: “Pero, ¿Quién es Kurt Vile?”.

La música de este joven guitarrista y cantante (nacido en Philadelphia), fluye por el caudaloso rio del American Primitivism. John Fahey (1939-2001), guitarrista virtuoso de la “steel-string acoustic guitar”, y fundador de este estilo descarnado, algo sentimental, casi rural y por momentos oscuro de la música norteamericana, es una gran influencia en la creación musical de Vile. Y lo que Vile crea son canciones. Canciones muy simples pero densas. A veces con espíritu picaresco otras con gravedad y misterio. Suenan guitarras, muchas. Guitarras de 6 y 12 cuerdas, eléctricas y acústicas, filtradas por resonadores, distorsionadores, flangers, delays mínimos, reverberancias metálicas y quebradizas y acoples de amplificadores que parecen llantos o risas. El sonido es el característico de las producciones Lo-Fi o de Cdrs, o sea, publicaciones autogeneradas en todos los aspectos y con una estética intencionalmente “desprolija o imperfecta”. Más que una actitud musical parece ser una postura normal que pretende plantarse firme ante las grandes disqueras y el “mainstream” híper comercial de la música pop-plástica de consumo masivo.

En sus presentaciones Kurt Vile se presenta en solitario con sus guitarras y efectos pero también con The Violators, una banda que lo apoya en escena y en un EP (Kurt Vile & The Violators – The Hunchback).

Neo psicodelia, Folk Rock, Pop Psicodélico, garage rock revival … cualquiera de estas etiquetas se le puede aplicar. También se puede decir que por sus composiciones y actitud antes las canciones es un seguidor natural de Neil Young, Joni Mitchell, Blind Lemon Jefferson, Mississippi John Hurt, Blind Willie Johnson, Furry Lewis, Fred McDowell, Hank Williams, Townse Van Zandty hasta el mismísimo Bob Dylan.

En una reciente entrevista Vile ha comentado sobre sí mismo:

“…he estado haciendo música: escribir y grabar canciones desde los 14. Publiqué en cintas, en los CDR y ahora que tengo 29, casi 30, todavía estoy escribiendo, experimentando, practicando, grabando. Esto me permite desarrollar mi oficio de compositor. Los, CDR (discos auto publicados) ha desempeñado un papel importante en esto. He podido aprender mucho con estas ediciones. En general, diría quien soy bastante obsesivo con mi trabajo esa es la clave para cualquier compositor de canciones, más o menos, dependiendo de cómo ambicioso que desea ser. Pero obsesivo no tiene que significar Pink Floyd The Wall.”

En Smoke Ring For My Halo, su último disco, Vile presenta 10 canciones. Ninguna sobrepasa los 5 minutos de duración. Hasta ahora es su trabajo más celebrado. Baby’s Arms abre el disco. En esta canción se resume el estilo de Vile. Las otras canciones son: Jesus Fever, Puppet To The Man, On Tour, Society Is my Friend, Runner Ups, In my Time, Peeping Tomboy, Smoke Ring For My Halo y Ghost Town.

Canciones que reviven el espiritu psicodélico de los 60tas pero sin la amargura ni el estress de la Guerra fria. Son canciones intimistas, algunas bañadas de una extraña melancolía, otras un poco rabiosas con la sociedad actual. Canciones que nacen de el espíritu disconfome e inquieto de Kurt Vile.

DATOS:

Albumes

1. Constant Hitmaker (2008, Gulcher Records; 2009, Woodsist Records)

2. God Is Saying This To You (2009, Mexican Summer)

3. Childish Prodigy (2009, Matador Records)

4. Smoke Ring For My Halo (2011, Matador Records) Actualmente en el puesto 154 del Chart de EEUU

Eps:

1. Fall Demons 7″ EP (2009, Skulltones)

2. The Hunchback 12″ EP (2009, Richie Records) Kurt Vile & The Violators – The Hunchback EP

3. Square Shells 12″ EP (2010, Matador)

Simples:

4. He’s Alright 7″ single (2009, Matador Records)

5. In My Time 7″ single (2010, Matador Records)

En estos momentos de gira por:

• Jun 29 Kurt Vile & the Violators Vera, Groningen, Países Bajos

• Jun 30 Fusion Festival 2011 Kulturkosmos, Lärz, Alemania

• Jun 30 Kurt Vile Uebel & Gefährlich, Hamburg, Hamburgo, Alemania

banda The Violators:

Kurt Vile-compositor,canto, guitarras of 6 & 12 cuerdas + altered resonator thru amplifiers, Trompeta, sintetizadores, edición, efectos, samplers, etc Adam Granduciel, guitarra baritona y bajo y – efectos samplers guitarras electricas Mike Zeng – percusiones michael Johnson, sintetizadores Timmy Von Trimble– sintetizadores y otros.

Productor : Jeff Zeigler

Letra de Baby’s Arms :

There has been but one true love

In my baby’s arms, in my baby’s arms

And I got the hands to hold onto them


I get sick of just about everyone

And I hide in my baby’s arms
‘Cause except for her, you know, as I’ve implied

I will never ever ever be alone

‘Cause it’s all in my baby’s hands
Shiny, shiny secret stones

In my baby’s hands
I get sick of just about everyone
And I hide in my baby’s arms
Shrink myself just like a tom thumb
And I hide in my baby’s hands

‘Cause except for her
There just ain’t nothin’ to latch onto
There has been but one true love
In my baby’s arms

There has been but one true love

In my baby’s arms, in my baby’s arms
And I got the hands to hold onto them


I get sick of just about everyone
And I hide in my baby’s arms
‘Cause except for her, you know, as I’ve implied


I will never ever ever be alone

‘Cause it’s all in my baby’s hands

Shiny, shiny secret stones


In my baby’s hands


I get sick of just about everyone
And I hide in my baby’s arms
Shrink myself just like a tom thumb

And I hide in my baby’s hands

‘Cause except for her
There just ain’t nothin’ to latch onto

There has been but one true love
In my baby’s arms

ENTREVISTA CON EL MAESTRO JULIO BOCCA


versión publicada en O2, 23 de junio 2011. Página 1

abajo:

versión original, full

ENTREVISTA CON EN EL MAESTRO JULIO BOCCA 14 JUNIO 2011

por eduardo paz carlson

“Gala de Ballet II” 17 de junio- el 28 de junio. De martes a viernes a las 20 horas, los sábados a las 17 y a las 20.30 horas. Domingos a las 14 horas. Entradas a la venta en la sala y Red UTS a $ 90, $ 200, $ 400, $ 500, y $ 600.

Durante años el edificio de lo que hoy es el Auditorio Nacional Adela Reta fue un pozo con escombros y una grúa herrumbrada que se movía según soplaba el viento. En la actualidad el edificio está casi terminado y el Ballet nacional está a punto de salir por primera vez en su historia a una gira por Europa. ¿Cómo ha sido para usted el desafío de llevar adelante esta nueva etapa del Ballet nacional?

En esos años los bailarines realizaron un gran sacrificio por ensayar ya que no tenían el lugar físico que tenemos hoy. A pesar de todo la siguieron remando y esa actitud fue la que mantuvo al Ballet durante esos años difíciles. Hemos tenido que rearmar un repertorio que el teatro ha perdido. Como director artístico esa es mi responsabilidad. Hay muchas obras que nunca llegaron a estrenarse acá y muchas creaciones nuevas para adaptar así que hay mucho trabajo en ese sentido para ponernos al día. Es un desafío hermoso.

En julio es la Gira Internacional del Bicentenario por Europa.

Sí, una parte del Ballet se va para Europa en julio y la otra parte se va a dedicar a la gira por el interior. El 6 de julio salimos para España: Empezamos la gira el 9 de julio en el Espinar de Segovia luego vamos al Auditorio del Escorial, de ahí nos presentamos en “Veranos de la Villa” en el auditorio Conde Duque en Madrid, después vamos al Festival de Rías Baixas en Pontevedra, seguimos en el Teatro Colon de Coruña, enseguida viajamos al sur al Teatro Cervantes en el marco del Festival de Verano Terral en Málaga. Volamos a Italia al Festival Opera Estate en Verona y después volvemos a España y nos presentamos en Cangas de Morrazo en Vigo, luego vamos al Festival de Santiago de Compostela y finalizamos la gira en el festival de Niebla en Huelva.

conferencia de prensa 15 junio

¿Se conoce al Ballet Nacional en Europa?

No, no se la conoce. Nunca antes había viajado a Europa. Se tiene una vaga idea de lo que es la institución SODRE. En el pasado hubo un momento en que la Compañía tuvo un renombre en la región y años atrás, formada parte de un “pool” que formaban el Teatro Colón, el Municipal de Río y otras instituciones de América. Luego del Incendio decayó mucho la actividad. Pero ahora estamos revirtiendo ese estancamiento. Sentí que la compañía empezó a tener un buen nivel y me di cuenta de que estábamos preparados para presentarnos en Europa. Los bailarines se han preparado ensayando y estudiando aquí 7 horas casi todos los días. También tuvimos a bailarines y maestros invitados del exterior que nos han ayudado a crecer como compañía. Con esta gira el Ballet Nacional se va a dar a conocer al público europeo. Los bailarines están emocionados y nerviosos. No conocen el público, no saben cómo responde, no conocen los teatros, el ambiente. Va a ser muy instructivo para ellos. Además, todos estamos muy orgullosos de representar al Uruguay con el Ballet. Tenemos muchas expectativas.

¿Qué ciudades están visitando en el interior de la república?

El año pasado fue increíble, una experiencia buenísima. La gente súper agradecida. Por eso decidimos repetir la idea este año. El 2 de julio comenzó la gira el Auditorio Artigas en Artigas. Estuvimos en Bella Unión; Salto, Young, Trinidad, Mercedes, Carmelo, Colonia y San José. El 20 de julio nos presentamos en el teatro Sociedad Unión de San Carlos; el 21 en el Teatro Municipal de Rocha; el 24 en el teatro Municipal de Treinta y Tres; el 26 en el Teatro Lavalleja en Minas; los días 27 y 28 en el Teatro 25 de agosto y finalizamos la gira Nacional del Bicentenario el día 29 en el Teatro Politeama de Canelones. En total son 17 funciones en 13 departamentos en 24 días. En verano, durante diciembre y enero, volveremos al interior con la Gira de Verano. De todas formas debo señalar que hasta que no tengamos una estructura logística adecuada no seremos capaces de salir con una obra compleja completa al interior por eso siempre se sale con obras que si bien son complejas para bailar son cortas y fáciles de montar. Las grandes producciones siempre se van a ver en Montevideo y para en el futuro no descarto poder presentar ese tipo de producciones en el interior.

¿Está planeando llevar alguna obra grande al interior?
En verano, tal vez en un espacio al aire libre, hacer un “El Lago de los Cisnes” completo. Dependerá si logramos armar la estructura logística que ya mencioné. El público del interior se merece obras de primer nivel.

El próximo viernes 17 de julio comienza la Gala de Ballet II en Teatro El Galpón. El programa es casi idéntico al que van a presentar en el interior y en Europa.

Sí, con la diferencia que incluimos una obra de Vicente Nebrada, “Percusión Para Seis Hombres” Esta obra fue estrenada en 1969. Nebrada es un gran coreógrafo latinoamericano. Para mí es importante tener una obra suya en el repertorio porque es una forma de no perder obras latinas.

¿Y de las otras obras, qué me puede decir? ¿Puede recomendar una para el público que irá por primera vez a ver Ballet?

Todas son especiales para mí y los bailarines pero, puedo recomendar Donizetti Variations del coreógrafo ruso George Balanchine. Fue una de las primeras obras que bailé en Estados Unidos. Dentro de la creación de Balanchine es una de las sobras más fáciles pero al mismo tiempo más difíciles para el bailarín. Para el público es una obra hermosa y sirve como puerta de entrada para conocer otras obras más complejas. También está Adagietto del coreógrafo argentino Oscar Araiz que se estrenó en 1971 y está súper vigente. Y te destaco las otras dos: Tango & Candombe de la coreógrafa argentina Ana María Stekelman en base a tangos y candombes rioplatenses y que es un estreno mundial y Doble Corchea y Nuestros Valses del coreógrafo venezolano Vicente Nebrada. En cada presentación, el deber del Ballet Nacional es presentar obras que sean amables al gran público pero, que al mismo tiempo vayan acostumbrándolo a ver obras más complejas. Nosotros difundimos obras de calidad y en cierta manera, educamos en el sentido de mostrar que se pueden hacer mejor las cosas. La idea es que cuando vengan compañías de afuera, que el publico uruguayo esté preparado para apreciarles y, sobre todo a poder darse cuenta de a calidad de lo nuestro, de nuestros bailarines, de nuestro Ballet Nacional. El espectador uruguayo podrá decir:” Ah, bueno, tenemos una Compañía que hace cosas diferentes y que incluso hace cosas mejores…”

¿Cuál es la relación del Ballet Nacional Con los coreógrafos y compositores contemporáneos uruguayos?

verisón publicada en O2, página 2

Estamos totalmente abiertos a todas las ideas y propuestas. Escuchamos y valoramos todo. El tema es que en este primer año he debido reorganizar la compañía y plantar las bases para luego comenzar a explorar nuevas ideas. El año que viene estrenamos una obra de Martin Inthamoussu, que es un coreógrafo uruguayo de danza contemporánea muy interesante. Yo recién estoy conociendo el medio musical uruguayo en profundidad. Todavía no he tenido tiempo para dedicarme a explorar todo lo que sé que hay por ahí. Sé que hay cosas muy interesantes. A Inthamoussu lo llamé porque yo le había pedido una música para ballet a Jorge Drexler y quería un coreógrafo uruguayo. Martin está construyendo su carrera como coreógrafo internacional en Venezuela, en Alemania y en otros países. Conecté a Martin con Jorge y les dije: “no quiero ver nada… ustedes armen algo…” Obviamente, voy controlando la obra, ellos piden mi opinión pero es una opinión técnica de danza la que doy, no quiero cambiar nada en sus creaciones. Al final, la obra se montó y quedó muy buena. Hay algunos detallitos que todavía falta ajustar pero estamos muy contentos. Por ahora no tiene titulo la obra. Se estrenará el año que viene. A raíz de este tipo de colaboración entre un compositor y un coreógrafo ya van surgiendo otras y más búsquedas de músicas y coreógrafos. Ya tenemos algunos proyectos en estudio pero no puedo adelantar nada. Lo que hay que tener en cuenta es que cualquier obra o coreografía que reciba ahora recién sería realizada a partir del 2015 o 2016. El SODRE está abierto a todos los creadores uruguayos tanto coreógrafos como compositores. Estamos para eso, es nuestra función difundir la cultura de nuestra gente y de nuestra época. Somos una compañía que siempre va a presentar los grandes clásicos de la danza pero también nos vamos a dar el gusto de experimentar, de invitar a bailarines y coreógrafos de diferentes partes del mundo.

¿Actividades para lo que resta del 2011 y lo que pueda adelantar para el 2012?

 En septiembre hacemos El Corsario completo (es una obra en 3 actos) de Joseph Mazilier y basada en un poema de Lord Byron. En diciembre, presentaremos una producción nueva, creada acá para Cascanueces de Tchaikovski. La coreógrafa es Silvia Bazilis una ex primera bailarina del Teatro Colón; el vestuario es de Nelson mancebo y la escenografía es del argentino Gastón Joubert que ya ha trabajado acá en ópera y ballet. La idea es que todos los diciembre se hagan funciones para los chicos y familias, etc. Además va a estar Martín López Romanelli, integrante de Bosquimanos Koryak, en el manejo de muñecos. Eso va a ser una experiencia diferente para el público uruguayo. Como invitados tendremos a Avetik Karapetyan, que ya estuvo el año pasado para El Lago de los Cisnes; José Martin Trujillo, solista del Royal Ballet pero que viene a bailar en El Corsario y como asistente de coreógrafo; viene María Riccetto, solista del American Ballet (también para El Corsario). Y en 2012 tenemos la obra “Whithout Words” de Nacho Duato y “Leaves Are Fading” de Anthony Tudor. Y en ese programa (junio de 2012), se estrenará la obra de Inthamoussu y Drexler. Después tenemos la Viuda Alegre de Ronald Heim . También se está organizando una gira por México, Colombia, Perú, chile, etc.

¿Se van renovado los estudiantes, hay interés en la danza entre los jóvenes uruguayos?



conferencia de prensa, 15 junio, foto 2

Muchísimo interés. Se va renovando la plantilla. El 5 de noviembre realizamos otra audición. Todos los años realizo audiciones internacionales. Los interesados se van anotando por las páginas en internet. Este año exigí que tuvieran el bachillerato terminado porque la idea es que no dejen la educación. En algún caso podemos ver cómo ayudarlos para que lo terminen bien.

¿Cuanto le falta al Ballet Nacional para ponerse a la par de las mejores compañías de danza en el mundo?

Dentro de la región es una compañía que está bien parada. Por supuesto que le falta repertorio, le falta experiencia de repertorio armado por la propia compañía y también le falta estructura de apoyo logístico y técnico. Todos estos temas se van solucionando. Es un proceso que empezamos recién hace un año.

¿Se ha integrado a la vida uruguaya como uno uruguayo más? ¿Le gusta vivir en Montevideo?
Totalmente integrado y feliz de vivir acá. Vivo acá y me roban acá, igualito que a todos…

DATOS del espectáculo
TANGO & CANDOMBE:

Estreno mundial

Coreógrafo: Ana María Stekelman

Primera figura: Walter Lateulade

Música:

1- Armando la llamada, Cuareim 1080

2- El Abrojito, 1926, Berstein & Fernández Blanco, intérprete , lagrima ríos

3- El temblor, Pintín Castellanos, intérprete Juan D´Arienzo

4- Candombe lento J.Fravega & A. Pereda

5- Tango relámpago, Cordón

6- Tirando a matar, P. Castellanos, Intérprete J. D´Arienzo

7- A media luz, E. Donato& C.C. Lenzi. Intérprete, J. D´Arienzo

8- La Cumparsita G Matos Rodríguez


9- Araca París, R. Collazo & C.C: Lenzi. Intérprete, J. Sosa

10- Vamo´Arriba, Cuareim 1080
Diseño vestuario: Jorge Ferrari
Iluminación: Fernando Scosela




FLEET FOXES: LA CELEBRACIÓN DEL CANTO


versión publicada en El Observador, O2, domingo 19 junio, 2011

version original, full.                               

por Eduardo Paz Carlson

Luces cálidas, ambiente sereno, algo misterioso. Salen a escena, parecen confundíos, algo torpes. Visten ropas de gente común: vaqueros gastados, botas reventadas por años de uso: no tienen el look de rock stars. Robin Pecknold, vocalista líder y compositor de la banda, que con su barba y pelo revuelto parece un granjero ermitaño de los Apalaches, saluda con un gesto a la audiencia se acomoda nerviosamente la guitarra y sonríe. Amaga empezar a cantar. La audiencia trata de reprimir su ansiedad por escucharlo. Desde el fondo se escucha un coro, solo voces,nada de instrumentos… pero el público reconoce el tema Bedoiun Dress (de su nuevo disco, Helplessness Blues) se deja llevar jubiloso. Cerca de Pecknold, Skyler Skjelset, el guitarrista principal, con aire nerd universitario espera la señal para arrancar con sus acordes. El comportamiento en vivo de estos músicos no tiene nada que ver con el histrionismo histérico y de las bandas rockeras ni la actitud distante y cerebral de los jazzeros. Les interesa la música tocan, no buscan efectos ni trucos para impresionar a las audiencias.



 Tienen demasiadas canciones para ofrecer como para perder tiempo con artificios.

Amigos desde la secundaria, Robin y Skyler, congeniaron inmediatamente por su mutuo interés por músicos como Bob dylan, Brian Wilson, Neil Young y muchos otros cantores folk estadounidenses. El pop-rock comercial de los 60tas, las experimentaciones de la música psicodélica y las grandes bandas progresivas también influyeron en las composiciones de estos jóvenes oriundos de Oregon. En 2008 publican el EP Sun Giant (con 5 temas) y poco tiempo después lanzan su primer álbum, Fleet Foxes. Enseguida se empiezan a hacer notar en los círculos de de la música Indie.

La alegría de cantar

Fleet foxes es un grupo de veinteañeros que se encuadra perfectamente en la tradición más puramente anglosajona del arte de cantar en comunidad. Los niños estadounidenses se inician en esta tradición desde que nacen, prácticamente. En casa hay un órgano o piano. Se canta en las ocasiones festivas. En la escuela. En el liceo cada estudiante aprende a tocar un instrumento, se crean bandas. Cada domingo en la iglesia se reúne la congregación para cantar. Cantan juntos, reafirman lazos. En los estadios de Baseball, en el descanso de la séptima entrada, se canta el himno que, además, es un himno muy cantable. Hay canciones por todas partes, la gente canta, celebra la vida.

Fleet Foxes surge de esta tradición cantoral. Al escuchar sus canciones se detectan claramente distintas etapas de la música anglosajona de los últimos 60 años. Está el folk seco y duro de los campesinos pobres de la “America” profunda en Red Squirrel /Sun Rise o el blues blanco y doliente de Oliver James. Aparecen salmos en Sun Giant. Surgen coros al mejor estilo Beach Boys o de la legendaria agrupación Crosby Stills Nash & Young en las canciónes The plains/Bitter Dance o White Winter Hymnal. En la instrumental The cascades se reconocen guitarras de los álbumes Foxtrot o Trespass del Genesis de Peter Gabriel o las brumas del grupo experimental Popol Vuh que Werner Herzog tanto utilizó para musicalizar sus películas. En Meadowlarks o Crayon Angels o Someone You’d Admire, se desliza una gozosa melancolía por algo perdido y se diría que es uan canción Cat Stevens pero no, es diferente: hechizan unos coros arcanos que dejan al oyente en vilo. En Your protector, parece que se está escuchando la banda sonora de una serie televisiva de Cowboys.

Las canciones de Fleet Foxes mueven emociones diferentes y hondas: se puede querer bailar con un pop sexy y juguetón de In The Hot, Hot Rays, celebrar la vida descaradamente en Ragged Wood o expresar el anhelo desesperado por un amor en Helplessness blues o liberarse de preocupaciones con la juvenil alegría veraniega en Mykonos…

Son canciones para cantar y cantar.

Armonías y letras.

En una entrevista reciente, un periodista les preguntó a Pecknold y a Skjelset: “¿Quién escribe las armonías?” Los músicos se miraron entre sí, y tratando de disimular la sorpresa y casi al unisiono respondieron: “nadie, no las escribimos, nos salen solas…”

Esa es la clave de Fleet Foxes: armonías cantables. Tan cantables que el oyente se sorprende cantándolas naturalmente por qué no son artificiales, surgen desde adentro y agradan al cantor. Armonías vocales que recuerdan a la banda Yes entrelazándose con flautas melotrónicas y saxos muy del álbum Islands de King Crimson o arreglos de cuerdas al estilo de Bjork como en The Shrine / An Argument.

Y las armonías se le suman letras simples pero profundas y luminosas que hablan de amores que son como huertas y mundos estresantes que marean :

Fragmento de helplessness blues:

(…)If I know only one thing
Is that everything I see
of the world outside is full of such wonder
that often, I barely can speak


Yeah, I’m tongue-tied and dizzy
and i can’t keep it to myself
what good is it to sing helplessness blues?
Why should I wait for anyone else


And I know, I know you keep me on the shelf
I’ll come back to you someday,
soon, myself



If I had an orchard,
I’d work til I’m raw.
If I had an orchard,
I’d work til I’m sore.


And you would wait table til you ran the store


oh oh ohh


If I had an orchard, I’d work til I’m sore

ENTREVISTA CON NICO MORA & FERNANDO GOICOECHEA 3 junio2011


por Eduardo Paz Carlson